FRANCISCO DE GOYA

Francisco Goya, quien se considera ser “El Padre del Arte Moderno”, empezó su carrera como artista inmediatamente después del periodo “Barroco”. Al expresar francamente sus pensamientos y creencias, como fue su costumbre, llegó ser el pionero de las tendencias nuevas que llegaron a su culminación en el siglo 19. Para entender el alcance del arte de Goya, y para apreciar los principios que gobernaron su desarrollo y su tremenda versatilidad, es impresendible entender que su labor que cubrió un periodo de mas de 60 años, porque continuó dibujando y pintando hasta los 82 años de edad. A la edad de 17, se fue a Madrid. Su estilo fue influenciado por dos artistas que trabajaron ahí. El último de los grandes artistas Venecianos — Tiépolo — y el artista neo-clásico, algo frio y eficiente, — Antonio Rafael Mengs. En el ano 1763, competió en la Academia Real de San Fernando pero, en ese año y también en el año 1766, fracasó. En 1770, se fue a Roma y sobrevivió de sus obras de arte. Los primeros biógrafos atribuyen a Goya todo tipo de aventuras durante estos y los siguientes años. Se dice que huyó de Zaragoza a Madrid y que se fue a Italia como toreador. Pronto creció una legenda acerca del artista: fue considerado tener una personalidad notable, ser independiente y libre de perjuicios y, a veces, un aventurero intrépido y un toreador aficionado. Puede ser que una vez estuvo en la arena y que se encontró involucrado en varias aventuras y más probable innumerables intrigas amorosas. Inicialmente, su construcción fue ruda y torpe pero en poco tiempo las ejecutó con maestría. No fue un artista de paisajes y los fondos de sus obras mostraron el poco interés que tenía en la pintura de paisajes. Después de haberse establecido en Madrid, empieza a pintar retratos. Después de la muerte de Carlos III y la coronación de Carlos IV, fue nombrado Artista Oficial de la Corte. Además de estas comisiones reales, se encargó de otro trabajo. En 1790, pintó su autorretrato. Esta pintura confirma lo que escribió su hijo: “El pinta en una sola sesión la cual, a veces, dura hasta diez horas pero jamás por la tarde; y para aumentar la impresión de un retrato, añade toques finales durante la noche bajo luz artificial.” Esto explica varias tendencias características de su arte. En 1792, se enfermó y se encontró totalmente sordo. Estos eventos causaron un cambio radical. La alegría desapareció lentamente de sus pinturas; los colores se tornaron más obscuros y su modo de pintar más libre y expresivo Sus retratos de este período muestran todavía un entendimiento de la fascinación de las mujeres y de los niños, no igualado por ningún otro artista con la posible excepción de Renoir. la Condesa de Chinchón, la más tierna de todos sus retratos de mujeres, en lo cual el rostro infantil y la anchura frágil de los hombros se contrasten con el traje expansivo y hermosamente pintado Entre los años 1810 y 1814 produjo su serie famosa de pinturas - “Los Desastres de la Guerra” y sus dos obras maestras “El Segundo de Mayo 1808” y “El Tercero de Mayo 1808”. Estas pinturas demuestran un uso de colores extremadamente poderoso y expresivo. Goya concentró exclusivamente en la producción de un afecto horroroso, excluyendo todo que no era pertinente. Simbolizan un avance revolucionario en la concepción total del alcance y propósito de pintar. Durante la ultima parte de su vida, antes de irse a Francia donde murió, parece que algunas de sus visiones penetran más a fondo las partes oscuras de la mente de lo que nosotros podemos penetrar. Una de ellas “Saturno Devorando a uno de sus Hijos” es uno de las pinturas más horrendas que jamás se ha pintado. El estableció el modelo para el arte del siglo XIX, el siglo de romanticismo salvaje y realismo liberal. Su técnica muy original y libre. La selección de sujetos por parte de Goya no fue restringido por las tradiciones. Al contrario, el derecho del artista de pintar sus visiones más profundas, aunque resultó dirigido por ellos a una pesadilla horrorosa, fue reclamado por Goya por primera vez y sus posibilidades aún no han sido agotadas.

Leonardo Da Vincci y la anatomía humana

Leonardo Da Vincci, hijo del un notario florentino y una campesina. Nace en Florencia en el año de 1452. Se convierte en uno de los grandes personajes en la historia de la humanidad tanto en el arte como, en la ciencia, escritura, etc. La anatomía humana fue una de sus grandes pasiones pues además de descubrir e ilustrar los diferentes órganos del cuerpo le ayudaba a perfeccionar la pintura generando más realismos en sus obras de arte. Empezando con autopsias con animales, pues en esta época no se podía hacer estas prácticas en cuerpos humanos, en muchos casos se llevaron a cabo de manera escondida, luego consiguió permisos para desarrollar las autopsias y así desarrollar su curiosidad por el funcionamiento del cuerpo humano. La curiosidad por aprender lo llevo a investigar y a ilustrar el proceso de formación del feto humano dentro de su madre, como a descubrir enfermedades como la Arterosclerosis de la cual fue víctima y ocasiono su muerte. Puede ser que Leonardo no sea el padre de la anatomía pero el dio un gran paso para que las investigaciones futuras pueda desarrollarse de una mejor manera. Además de ser una gran avance para la época.

Arquitectura en el Renacimiento

Características * La Arquitectura del Renacimiento se caracterizó por el empleo de proporciones modulares.

* Las ventanas están divididas por un parteluz de piedra, terminadas por un frontón encerrado en un arco ciego decorativo. * Se usa piedra blanca (mármol) o gris claro. Hay armonía y buen uso de elementos. * La línea ascendente, expresiva de la espiritualidad medieval es sustituida por el equilibrio de verticales y horizontales. Representantes de la arquitectura de ésta época Filippo Brunelleschi (1377-1446) * Se le considera el primer arquitecto renacentista. En efecto cuando visita Roma por primera vez en compañía de Donatello, dedica tiempo a dibujar fragmentos de ruinas romanas que lo inspiran posteriormente. * Su mente científica y su insaciable deseo de saber lo llevan a emprender numerosas investigaciones, descubriendo así las leyes que gobiernan la perspectiva lineal, conocidas y aplicadas por los griegos y romanos y que habían sido olvidadas durante la Edad Media.

Leone Battista Alberti (1404-1473. * Educado para la religión en diferentes ciudades de Italia, Alberti fue pintor, músico, poeta y arquitecto, pero ante todo humanista. Se interesa por la antigüedad, la filosofía y la teoría de las artes. * Mas sus fachadas tienen la sencillez que caracteriza el renacimiento: un rectángulo, sobre el cual se coloca otro más pequeño, centrado y limitado por un frontón triangular en su parte superior. Para unir la parte inferior y la parte superior de la fachada, unos "contrafuertes" en forma de volutas. Columnas corintias y adornos geométricos completan la imagen.

Migel Angel * Las obras arquitecturales de Miguel Ángel intervienen muchas veces sobre los planes de sus rivales.En el caso de San Pedro, debe adaptar los planes de Bramante y trata de hacerlo sin destruir su gracia pero mejorando su unidad tanto en el plan horizontal como en el vertical. * El domo esta inspirado en el de la catedral de Florencia, pero con cúpula semi-esférica. * El tambor con el ritmo de sus columnas, el domo con sus conchas de aristas y la luneta de dos niveles de columnas forman un conjunto que ha inspirado muchas otras obras desde el renacimiento.

Tatuajes...

El tatuaje, pues, no es nuevo. Se remonta a sociedades primitivas, sin Estado, que lo utilizaban en diferentes sentidos: como protección contra el mal de ojo y los enemigos; para el reumatismo, afecciones oculares o neuralgias; como sustituto de una mutilación; como señal de superación de ritos de iniciación, como sello de dignidad o puesto en la sociedad, etc.

Es donde el arte entra a jugar un papel fundamental para poder comprender y entender esas voces del cuerpo. El arte es sin duda alguna, el lugar donde el cuerpo adquiere su mayor fuerza expresiva. Pero va mucho del tatuaje a la obra de arte. En el fondo, fuera de las comunidades primitivas, el tatuaje funciona más como afán de diferenciación, como rebelión e inclusive como expresión de erotismo. También de exhibicionismo. En 1934 Georg Burchet, uno de los 'maestros', tardó 150 horas realizando un tatuaje en la piel de un hombre, Horace Ridley, que entonces se conoció como el 'Gran Omi'. Burchet logró imitar la piel de una cebra, lo que le sirvió a Ridley para ganarse la vida exhibiéndose en circos y ferias.

El tatuaje está de moda y ha logrado superar los límites de la clandestinidad, lo marginal y el hampa, pero su uso no está tan extendido. Esas marcas en la piel que, según el antropólogo Carlos Uribe, la gente lleva "para ser alguien distinto y transformarse", como una excentricidad,forman parte de las costumbres de un sector de esa juventud contestataria que encuentra en el tatuaje una forma de estética diferente.

¿Danza?¿Contemporaneo?

La danza contemporanea es una técnica que nace después de la primera guerra mundial como acto de rebeldía y de libertad contra todas las reglas y disciplinas de formación de la danza clásica.

Es una disciplina que implica lo clásico, como también diferentes técnicas: reléase; flying low; contact; artes marciales; teatro; etc. La danza contemporanea se nutre de una fuente interminable de recursos ya que no hay límites para la misma. Podemos referirnos que su objetivo esencial es transmitir al publico o al receptor de la misma conceptos; mensajes, que de alguna manera se pueda establecer un dialogo entre espectador y artista; desde lo corporal, la voz, la música, etc. En la danza contemporanea las nociones de tiempo y espacio son muy importantes ya que al trabajar con el cuerpo uno esta pendiente de estas variables.

La danza contemporanea los ambientes, entornos de vivencia estética, emotivas, sensoriales, sensuales e intelectuales, son los espacios creados a partir de la imaginación y la propuesta estetica. Se pretende excitar todos los sentidos, desde el oído al olfato (cualidades sensoriales o perceptivas), a las emociones instintivas, sorpresa y miedo al juego de las pasiones puramente intelectuales que pueda establecer cada espectador.

Una obra de danza contemporanea se puede realizar en los espacios menos inesperados como: una performance en una escalera, un anfiteatro, en el medio de la calle, etc. Lo importante es que la música pueda transmitir el mensaje junto con lo que se baila.Lo contrario pasa con la danza clásica que estamos habituados a ver espectáculos con grandes orquestas filarmónicas, y grandes músicos; u opera. Como técnica que se desempeña desde hace muchos años podemos ver día a día los logros y las etapas que ha recorrido la misma.

Arte Indigena

BAÑO CON FLORES Y HOJAS DEL ARCO IRIS" Por Carlos Jacanamijoy

Carlos Jacanamijoy,artista colombiano de pura raigambre indígena, hijo de un chamán reconocido en su comunidad en el Amazonas, la fiel preservación de las tradiciones y los rituales que encarna, han servido de fuente inspiración para este artista que ha logrado diferenciar su estilo al de sus colegas, con sus trazos logra crear conexión con los sentidos creando sensación de tercera dimensión y evocar la naturaleza.

Para muchos sus obras no solo logran agudizar los sentidos, para muchos las pinturas de Jaca como lo llaman sus amigos, logran establecer una conexión con el alma.

"Aguzar los sentidos y palpar la mano de la reflexión que me lleva y me sumerge en la realidad me permite también recrear en pintura sus vibraciones; a ellas intangibles como los sueños les siento su irracionalidad, como en un juego con sus reglas esas vibraciones me advierten de repente de rastros centenarios señalándome sobre el estado de las cosas o sobre nuestra conducta frente a la generosidad de la naturaleza, me indican también que los despertares no tienen que venir solo despues de la noche, en el día y en la noche los sentidos por sí solos sin aguzarlos nos pueden brindar ráfagas inasibles, para creerlas tan asibles como el camino de una luz o como la ruta de un color". Carlos Jacanamijoy

Cómo mirar un cuadro

Si partimos del concepto de arte como una manera expresar , un sentimiento, la realidad, una problemática social, pensamientos o hasta la misma naturaleza. La pintura se convierte en un medio para poder llegar a tal fin, la complejidad de muchas obras, ocultan muchos mensajes que el autor quiere expresar y que a simple vista no podemos ver. Por esta razón el observar y entender un cuadro, necesita la unión de muchos conocimientos y así lograr captar dicho mensaje. 1. Pablo Picasso, con obra titulada como el bombardeo de Guernica, en la obra se plasma una escena de dolor y sufrimiento, reflejada en los rostros de los personajes. El movimiento es un factor importante y del mismo modo complejo de ver por el estilo del pintor.

Los colores manejados se encuentran en una escala de grises lo que nos indica que es una escenario de dolor , oscuridad y sufrimiento. los objetos que hacen parte de la obra nos indican que la situación se desarrolla dentro de un lugar, la presencia de pequeñas ventanas nos muestra un exterior gris sin nada de vida. El tiempo histórico cumple el papel más importante pues se realizo esta obra fue en 1937 en plena guerra civil española. ------------------------------------------------------------------------------------ Estilo POP utilizado por el pintor y escultor Roy Lichtenstein nos muestra una realidad o una cultura con mas vida y mas color, el concepto de los comics como medio de comunicación de cultura y objetos de consumismo ofrece una manera perfecta de expresar mensajes para este autor. Esta obra pintada totalmente a mano, nos muestra en sus detalles, las marcas de las impresiones observadas en los comics del momento.

la escena plasmada en la obra, a pesar de los colores vivos, refleja una sensación confusa para el espectador, pues los personajes pueden encontrarse en una situación de despedida o de reencuentro. ------------------------------------------------------------------------------------ El concepto manejado por el reconocido pintor Salvador Dalí, se basa en expresar los sueños de una manera gráfica. En esta obra surrealista nos muestra un escenario imaginario donde mariposas gigantes so las erices de un campo de molinos en una tarde imaginaria. los colores utilizados son cálidos, y nos centran en una tarde de verano.

La profundidad manejada por el autor, muestra lo poderosa que puede ser la mente humana en los sueños. ------------------------------------------------------------------------------------ En la obra del maestro pastuso Carlos Santacruz, llamada la virgen de los trigales, se ve reflejada la cultura donde el artista fue criado. Desde pequeño el pintor fue criado en maizales y se apropio de la cultura andina, que después se convertiría en el tema principal de sus obras.

Regresando al análisis claro de esta obra, se refleja el proceso de una buena cosecha bendecida por la Virgen, pues se refleja la devoción del pintor hacia la religión católica. Los colores manejados son los mismos que uno puede observar en las montañas de Nariño, el color de la piel de los personajes de su obra son la mejor representación de la cultura indiana del sur de Colombia.