FRANCISCO DE GOYA

Francisco Goya, quien se considera ser “El Padre del Arte Moderno”, empezó su carrera como artista inmediatamente después del periodo “Barroco”. Al expresar francamente sus pensamientos y creencias, como fue su costumbre, llegó ser el pionero de las tendencias nuevas que llegaron a su culminación en el siglo 19. Para entender el alcance del arte de Goya, y para apreciar los principios que gobernaron su desarrollo y su tremenda versatilidad, es impresendible entender que su labor que cubrió un periodo de mas de 60 años, porque continuó dibujando y pintando hasta los 82 años de edad. A la edad de 17, se fue a Madrid. Su estilo fue influenciado por dos artistas que trabajaron ahí. El último de los grandes artistas Venecianos — Tiépolo — y el artista neo-clásico, algo frio y eficiente, — Antonio Rafael Mengs. En el ano 1763, competió en la Academia Real de San Fernando pero, en ese año y también en el año 1766, fracasó. En 1770, se fue a Roma y sobrevivió de sus obras de arte. Los primeros biógrafos atribuyen a Goya todo tipo de aventuras durante estos y los siguientes años. Se dice que huyó de Zaragoza a Madrid y que se fue a Italia como toreador. Pronto creció una legenda acerca del artista: fue considerado tener una personalidad notable, ser independiente y libre de perjuicios y, a veces, un aventurero intrépido y un toreador aficionado. Puede ser que una vez estuvo en la arena y que se encontró involucrado en varias aventuras y más probable innumerables intrigas amorosas. Inicialmente, su construcción fue ruda y torpe pero en poco tiempo las ejecutó con maestría. No fue un artista de paisajes y los fondos de sus obras mostraron el poco interés que tenía en la pintura de paisajes. Después de haberse establecido en Madrid, empieza a pintar retratos. Después de la muerte de Carlos III y la coronación de Carlos IV, fue nombrado Artista Oficial de la Corte. Además de estas comisiones reales, se encargó de otro trabajo. En 1790, pintó su autorretrato. Esta pintura confirma lo que escribió su hijo: “El pinta en una sola sesión la cual, a veces, dura hasta diez horas pero jamás por la tarde; y para aumentar la impresión de un retrato, añade toques finales durante la noche bajo luz artificial.” Esto explica varias tendencias características de su arte. En 1792, se enfermó y se encontró totalmente sordo. Estos eventos causaron un cambio radical. La alegría desapareció lentamente de sus pinturas; los colores se tornaron más obscuros y su modo de pintar más libre y expresivo Sus retratos de este período muestran todavía un entendimiento de la fascinación de las mujeres y de los niños, no igualado por ningún otro artista con la posible excepción de Renoir. la Condesa de Chinchón, la más tierna de todos sus retratos de mujeres, en lo cual el rostro infantil y la anchura frágil de los hombros se contrasten con el traje expansivo y hermosamente pintado Entre los años 1810 y 1814 produjo su serie famosa de pinturas - “Los Desastres de la Guerra” y sus dos obras maestras “El Segundo de Mayo 1808” y “El Tercero de Mayo 1808”. Estas pinturas demuestran un uso de colores extremadamente poderoso y expresivo. Goya concentró exclusivamente en la producción de un afecto horroroso, excluyendo todo que no era pertinente. Simbolizan un avance revolucionario en la concepción total del alcance y propósito de pintar. Durante la ultima parte de su vida, antes de irse a Francia donde murió, parece que algunas de sus visiones penetran más a fondo las partes oscuras de la mente de lo que nosotros podemos penetrar. Una de ellas “Saturno Devorando a uno de sus Hijos” es uno de las pinturas más horrendas que jamás se ha pintado. El estableció el modelo para el arte del siglo XIX, el siglo de romanticismo salvaje y realismo liberal. Su técnica muy original y libre. La selección de sujetos por parte de Goya no fue restringido por las tradiciones. Al contrario, el derecho del artista de pintar sus visiones más profundas, aunque resultó dirigido por ellos a una pesadilla horrorosa, fue reclamado por Goya por primera vez y sus posibilidades aún no han sido agotadas.

Leonardo Da Vincci y la anatomía humana

Leonardo Da Vincci, hijo del un notario florentino y una campesina. Nace en Florencia en el año de 1452. Se convierte en uno de los grandes personajes en la historia de la humanidad tanto en el arte como, en la ciencia, escritura, etc. La anatomía humana fue una de sus grandes pasiones pues además de descubrir e ilustrar los diferentes órganos del cuerpo le ayudaba a perfeccionar la pintura generando más realismos en sus obras de arte. Empezando con autopsias con animales, pues en esta época no se podía hacer estas prácticas en cuerpos humanos, en muchos casos se llevaron a cabo de manera escondida, luego consiguió permisos para desarrollar las autopsias y así desarrollar su curiosidad por el funcionamiento del cuerpo humano. La curiosidad por aprender lo llevo a investigar y a ilustrar el proceso de formación del feto humano dentro de su madre, como a descubrir enfermedades como la Arterosclerosis de la cual fue víctima y ocasiono su muerte. Puede ser que Leonardo no sea el padre de la anatomía pero el dio un gran paso para que las investigaciones futuras pueda desarrollarse de una mejor manera. Además de ser una gran avance para la época.

Arquitectura en el Renacimiento

Características * La Arquitectura del Renacimiento se caracterizó por el empleo de proporciones modulares.

* Las ventanas están divididas por un parteluz de piedra, terminadas por un frontón encerrado en un arco ciego decorativo. * Se usa piedra blanca (mármol) o gris claro. Hay armonía y buen uso de elementos. * La línea ascendente, expresiva de la espiritualidad medieval es sustituida por el equilibrio de verticales y horizontales. Representantes de la arquitectura de ésta época Filippo Brunelleschi (1377-1446) * Se le considera el primer arquitecto renacentista. En efecto cuando visita Roma por primera vez en compañía de Donatello, dedica tiempo a dibujar fragmentos de ruinas romanas que lo inspiran posteriormente. * Su mente científica y su insaciable deseo de saber lo llevan a emprender numerosas investigaciones, descubriendo así las leyes que gobiernan la perspectiva lineal, conocidas y aplicadas por los griegos y romanos y que habían sido olvidadas durante la Edad Media.

Leone Battista Alberti (1404-1473. * Educado para la religión en diferentes ciudades de Italia, Alberti fue pintor, músico, poeta y arquitecto, pero ante todo humanista. Se interesa por la antigüedad, la filosofía y la teoría de las artes. * Mas sus fachadas tienen la sencillez que caracteriza el renacimiento: un rectángulo, sobre el cual se coloca otro más pequeño, centrado y limitado por un frontón triangular en su parte superior. Para unir la parte inferior y la parte superior de la fachada, unos "contrafuertes" en forma de volutas. Columnas corintias y adornos geométricos completan la imagen.

Migel Angel * Las obras arquitecturales de Miguel Ángel intervienen muchas veces sobre los planes de sus rivales.En el caso de San Pedro, debe adaptar los planes de Bramante y trata de hacerlo sin destruir su gracia pero mejorando su unidad tanto en el plan horizontal como en el vertical. * El domo esta inspirado en el de la catedral de Florencia, pero con cúpula semi-esférica. * El tambor con el ritmo de sus columnas, el domo con sus conchas de aristas y la luneta de dos niveles de columnas forman un conjunto que ha inspirado muchas otras obras desde el renacimiento.

Tatuajes...

El tatuaje, pues, no es nuevo. Se remonta a sociedades primitivas, sin Estado, que lo utilizaban en diferentes sentidos: como protección contra el mal de ojo y los enemigos; para el reumatismo, afecciones oculares o neuralgias; como sustituto de una mutilación; como señal de superación de ritos de iniciación, como sello de dignidad o puesto en la sociedad, etc.

Es donde el arte entra a jugar un papel fundamental para poder comprender y entender esas voces del cuerpo. El arte es sin duda alguna, el lugar donde el cuerpo adquiere su mayor fuerza expresiva. Pero va mucho del tatuaje a la obra de arte. En el fondo, fuera de las comunidades primitivas, el tatuaje funciona más como afán de diferenciación, como rebelión e inclusive como expresión de erotismo. También de exhibicionismo. En 1934 Georg Burchet, uno de los 'maestros', tardó 150 horas realizando un tatuaje en la piel de un hombre, Horace Ridley, que entonces se conoció como el 'Gran Omi'. Burchet logró imitar la piel de una cebra, lo que le sirvió a Ridley para ganarse la vida exhibiéndose en circos y ferias.

El tatuaje está de moda y ha logrado superar los límites de la clandestinidad, lo marginal y el hampa, pero su uso no está tan extendido. Esas marcas en la piel que, según el antropólogo Carlos Uribe, la gente lleva "para ser alguien distinto y transformarse", como una excentricidad,forman parte de las costumbres de un sector de esa juventud contestataria que encuentra en el tatuaje una forma de estética diferente.

¿Danza?¿Contemporaneo?

La danza contemporanea es una técnica que nace después de la primera guerra mundial como acto de rebeldía y de libertad contra todas las reglas y disciplinas de formación de la danza clásica.

Es una disciplina que implica lo clásico, como también diferentes técnicas: reléase; flying low; contact; artes marciales; teatro; etc. La danza contemporanea se nutre de una fuente interminable de recursos ya que no hay límites para la misma. Podemos referirnos que su objetivo esencial es transmitir al publico o al receptor de la misma conceptos; mensajes, que de alguna manera se pueda establecer un dialogo entre espectador y artista; desde lo corporal, la voz, la música, etc. En la danza contemporanea las nociones de tiempo y espacio son muy importantes ya que al trabajar con el cuerpo uno esta pendiente de estas variables.

La danza contemporanea los ambientes, entornos de vivencia estética, emotivas, sensoriales, sensuales e intelectuales, son los espacios creados a partir de la imaginación y la propuesta estetica. Se pretende excitar todos los sentidos, desde el oído al olfato (cualidades sensoriales o perceptivas), a las emociones instintivas, sorpresa y miedo al juego de las pasiones puramente intelectuales que pueda establecer cada espectador.

Una obra de danza contemporanea se puede realizar en los espacios menos inesperados como: una performance en una escalera, un anfiteatro, en el medio de la calle, etc. Lo importante es que la música pueda transmitir el mensaje junto con lo que se baila.Lo contrario pasa con la danza clásica que estamos habituados a ver espectáculos con grandes orquestas filarmónicas, y grandes músicos; u opera. Como técnica que se desempeña desde hace muchos años podemos ver día a día los logros y las etapas que ha recorrido la misma.

Arte Indigena

BAÑO CON FLORES Y HOJAS DEL ARCO IRIS" Por Carlos Jacanamijoy

Carlos Jacanamijoy,artista colombiano de pura raigambre indígena, hijo de un chamán reconocido en su comunidad en el Amazonas, la fiel preservación de las tradiciones y los rituales que encarna, han servido de fuente inspiración para este artista que ha logrado diferenciar su estilo al de sus colegas, con sus trazos logra crear conexión con los sentidos creando sensación de tercera dimensión y evocar la naturaleza.

Para muchos sus obras no solo logran agudizar los sentidos, para muchos las pinturas de Jaca como lo llaman sus amigos, logran establecer una conexión con el alma.

"Aguzar los sentidos y palpar la mano de la reflexión que me lleva y me sumerge en la realidad me permite también recrear en pintura sus vibraciones; a ellas intangibles como los sueños les siento su irracionalidad, como en un juego con sus reglas esas vibraciones me advierten de repente de rastros centenarios señalándome sobre el estado de las cosas o sobre nuestra conducta frente a la generosidad de la naturaleza, me indican también que los despertares no tienen que venir solo despues de la noche, en el día y en la noche los sentidos por sí solos sin aguzarlos nos pueden brindar ráfagas inasibles, para creerlas tan asibles como el camino de una luz o como la ruta de un color". Carlos Jacanamijoy

Cómo mirar un cuadro

Si partimos del concepto de arte como una manera expresar , un sentimiento, la realidad, una problemática social, pensamientos o hasta la misma naturaleza. La pintura se convierte en un medio para poder llegar a tal fin, la complejidad de muchas obras, ocultan muchos mensajes que el autor quiere expresar y que a simple vista no podemos ver. Por esta razón el observar y entender un cuadro, necesita la unión de muchos conocimientos y así lograr captar dicho mensaje. 1. Pablo Picasso, con obra titulada como el bombardeo de Guernica, en la obra se plasma una escena de dolor y sufrimiento, reflejada en los rostros de los personajes. El movimiento es un factor importante y del mismo modo complejo de ver por el estilo del pintor.

Los colores manejados se encuentran en una escala de grises lo que nos indica que es una escenario de dolor , oscuridad y sufrimiento. los objetos que hacen parte de la obra nos indican que la situación se desarrolla dentro de un lugar, la presencia de pequeñas ventanas nos muestra un exterior gris sin nada de vida. El tiempo histórico cumple el papel más importante pues se realizo esta obra fue en 1937 en plena guerra civil española. ------------------------------------------------------------------------------------ Estilo POP utilizado por el pintor y escultor Roy Lichtenstein nos muestra una realidad o una cultura con mas vida y mas color, el concepto de los comics como medio de comunicación de cultura y objetos de consumismo ofrece una manera perfecta de expresar mensajes para este autor. Esta obra pintada totalmente a mano, nos muestra en sus detalles, las marcas de las impresiones observadas en los comics del momento.

la escena plasmada en la obra, a pesar de los colores vivos, refleja una sensación confusa para el espectador, pues los personajes pueden encontrarse en una situación de despedida o de reencuentro. ------------------------------------------------------------------------------------ El concepto manejado por el reconocido pintor Salvador Dalí, se basa en expresar los sueños de una manera gráfica. En esta obra surrealista nos muestra un escenario imaginario donde mariposas gigantes so las erices de un campo de molinos en una tarde imaginaria. los colores utilizados son cálidos, y nos centran en una tarde de verano.

La profundidad manejada por el autor, muestra lo poderosa que puede ser la mente humana en los sueños. ------------------------------------------------------------------------------------ En la obra del maestro pastuso Carlos Santacruz, llamada la virgen de los trigales, se ve reflejada la cultura donde el artista fue criado. Desde pequeño el pintor fue criado en maizales y se apropio de la cultura andina, que después se convertiría en el tema principal de sus obras.

Regresando al análisis claro de esta obra, se refleja el proceso de una buena cosecha bendecida por la Virgen, pues se refleja la devoción del pintor hacia la religión católica. Los colores manejados son los mismos que uno puede observar en las montañas de Nariño, el color de la piel de los personajes de su obra son la mejor representación de la cultura indiana del sur de Colombia.

Barroco

Este estilo maneja objetos más reales y se plasma la realidad tal como se la ve, en la pintura se ven representados entre bodegones, paisajes y retratos. Los detalles de las obras cada vez son más exactos

el manejo de las sombras crea una técnica única que en la que las imágenes se difuminan en el fondo sin quitarle las forma básica. En Italia la pintura barroca fue representada por el artista más representativo de este estilo Caravaggio el uso de los claro oscuros fueron parte de replantaciones de la realidad combinadas con temas tétricos y mitológicos. En España aunque el estilo se maneja de con la misma técnica los temas de religiosos, de la monarquía siempre estuvieron en las obras, pues los miembros de la iglesia eran los principales y de reinos eran los que gustaban de este tipo de arte.

La cultura griega dejo su le gado en la historia del arte y su estilo es único hasta el momento, el legado de los griegos es considerable en la pintura, arquitectura y escultura a demás de sus corrientes filosóficas que por medio de la literatura también se convierte en un expresión de arte.

El clasicismo.

El clasicismo. Es una corriente estética que cambio todo el concepto de arte que se tenía hasta el momento, pues la religión hasta ese momento hacia parte de los temas de las expresiones artísticas. Esta corriente hiso que la historia diera un giro de 360 grados pues la mitología, la forma del cuerpo y movimientos hacen parte ahora parte de la pintura, esculturas y literatura. También la realidad se hizo una obra de arte.

La pintura es una de las expresiones que tuvo más fama en este periodo del arte, pues de acuerdo al lugar donde se realizaba maneja un estilo diferente y único. En esta obra desarrollada en España se puede ver el manejo de la mitología, la interacción de cuerpos humanos, la religión y movimiento. Estilo único español.

¿Qué es arte?

¿Qué es arte? A lo largo de la historia el hombre, ha sufrido una gran desarrollo tanto físico como racional, en este camino lleno de experiencias, descubrimientos y de imaginación, se ha visto obligado a utilizar métodos para expresar eso, que se le pasa por la cabeza, eso que está en su imaginación y sentimientos para que los demás lo entiendan. El arte es una forma de expresar los sentimientos, vivencias, experiencias, fe. Según los hallazgos científicos y los argumentos de los conocedores del tema, el arte aparece desde la misma existencia del hombre en el mundo. El hombre utiliza el arte como una gran herramienta para poder expresar y darle sentido al mundo que lo rodea. ¿Y porque sentido?, porque a través de esta el hombre logro plasmar en pinturas, en sonidos, en construcciones, todo eso que era nuevo para el, y volverlos tan propios y manejables parea poder entenderlos. Del mismo modo que lo tangible, lo físico y lo natural, la imaginación, la razón, los sentimientos y la fe se vieron plasmados en dicha forma de expresión. La mente humana es la aliada incondicional del arte, pues por medio de la imaginación y la creatividad se convierte esa forma de expresión, como algo bello ante los ojos, algo sonoro ante los oídos y palabras perfectas para comunicar todo lo que ese ser terrestre piensa, siente y lo vuelve sublime. De este modo el arte es la forma más bella de expresar aquello que la mente humana no solo puede expresar con acciones. El arte va más allá de los que unas pocas palabras sin sentido pueden decir, traspasa la barrera de lo real y convierte al mundo, en un lugar lleno de colores, sonidos, palabras perfectas y sabores.

Diseño gráfico de la edad media al renacimiento

La edad media es considerada el periodo de la oscuridad, donde la iglesia controlaba la política, la economía, la sociedad, en fin todo lo relacionado con los habitantes de una población. La época se caracterizaba por el teocentrismo, es decir, todo giraba alrededor de la fe católica. Las ciencias y las artes estaban así mismo regidas por la iglesia. El arte seguía cumpliendo una función de comunicar algo lo que lo hacia muy pobre en técnica y en significado. El planteamiento que surge cuando se estudia la edad media y el contexto artístico es ¿De qué forma la iglesia limitaba la expresión artística de las poblaciones? Y ¿Cómo el Renacimiento inició la explosión de los movimientos artísticos? La expresión personal no se veía muy bien en la sociedad medieval puesto que de esta forma nos convertíamos en individuos pensantes y libres de la iglesia. Las expresiones artísticas observadas eran estrechamente ligadas al pensamiento religioso, en especial al cristianismo. La iglesia controlaba todo a su alcance y lo que no alcanzaba a dominar era eliminado. Los artistas no tenían mas opción de trabajar para el clero y se mantenían en la oscuridad porque sus obras no tenían sus nombres o su firma, haciéndolos anónimos para la sociedad. Un claro ejemplo del dominio de la iglesia hacia las artes son los libros iluminados. Éstos eran libros únicos y muy costosos, tenían un carácter de inspiración bíblico. Así pues solo eran para los altos cargos en la iglesia. Eran hechos de láminas de oro y pintado con tintas muy costosas importadas desde el oriente. Los artistas también caían en el “como actuar”, “que no hacer” mostrando en sus imágenes códigos de actuación, es decir, una Biblia o una leyenda. En el que importa más el sentido inmutable y trascendente de la figuración y su belleza que radica más en lo ideal como representación de la bondad divina. La única función de las artes era comunicar mediante imágenes lo que las personas analfabetas no podían leer en la Biblia. Las imágenes de los libros del medioevo tienen un alto carácter geométrico y una poca preocupación por copiar la realidad tal como la vemos. No existía la perspectiva (que se observará en el Renacimiento) y la pintura poseía un carácter de esquematización. La idea no era formar una imagen “bella” sino algo que transmitía un mensaje por eso los bajos estándares de perfección. La figura humana tenía altos niveles de desproporción y desfiguración, no se veía la diferencia entre las figuras masculinas y las femeninas, los niños eran adultos en pequeñas dimensiones. Los artistas no se preocupaban por la perfección sino por cumplir con la tarea de crear una imagen que representara lo que la mayoría entendiera por la imagen divina. En las obras medievales se puede observar el entendimiento de las personas del medioevo hacia el arte como la abstracción y manifestación de la belleza divina, donde todos las figuras humanas parecían una sola, con rasgos muy poco definidos mostrando imágenes como un símbolo de la realidad. Un ejemplo de la iglesia limitando la expresión artística fueron los bestiarios. Éstos eran libros donde se encontraban imágenes de figuras o “animales” fantásticos creados desde la imaginación de cada artista. No tenían ninguna referencia real, palpable. La iglesia consideraba a estas expresiones como manifestaciones contra la fe por ende negativas. Por tener este carácter de no parecerse a la realidad la iglesia quemaba los libros y eran prohibidos de leer o inclusive ver. La iglesia también utilizaba los libros e imágenes para convertir a los paganos que no sabían leer o llenar de culpa a los creyentes que no cumplían con los requisitos, que según la iglesia eran la forma para llegar al paraíso. Se encontraban libros dedicados solamente a la ejemplificación de las tres etapas donde el hombre y su alma podían llegar a estar. La primera siendo la tierra donde los humanos habitamos estando vivos, luego se ven las dos etapas de las almas una siendo el cielo con los santos y la otra el infierno donde las almas en pena son permanentemente torturadas. La sociedad que mas explicita fue en la ejemplificación de estas tres etapas del ser fue la española que tomaba todo muy literal y oscuro. El Renacimiento formo así una escapatoria para los artistas que queriendo expresarse eran culpados de ser herejes. El idealismo del Renacimiento fue el humanismo que dictaba una libertad e individualidad que toda persona en la sociedad “debía” tener. En la práctica fue lógicamente diferente, los burgueses y monarcas eran los únicos con este privilegio quienes contrataban a los artistas de la época para retratar momentos de la vida cotidiana. Dándoles así una cierta libertad frente a la expresión pero siempre ligados a lo que el propietario de la pintura necesitaba o deseaba. Durante esta época surgió la perspectiva la cual dejo que el arte continuara con su crecimiento estético. Todo esto surgió porque durante el renacimiento la iglesia perdió el poder de las mentes eruditas ahora el control lo tenia el que poseía mas cantidad de dinero.